恵比寿映像祭2026　地域連携プログラム「言葉なき声、密やかな響き ―イブオーク チョウテイ 磯谷博史」Wordless Voices, Quiet Resonance. - Ebe Oke, ZHANG TING, Hirofumi Isoya

張霆《脳腸軸》 / 2023 / 油絵具、色鉛筆、キャンバス
ZHANG TING Brain–Gut Axis, 2023, oil and color pencil on canvas

「言葉なき声、密やかな響き ―イブオーク チョウテイ 磯谷博史」
Wordless Voices, Quiet Resonance. - Ebe Oke, ZHANG TING, Hirofumi Isoya

会期｜2026年2月5日（木）〜2月15日（日）会期中無休
11:00-19:00（最終日は18:00まで）
料金｜500円(消費税込）温かい飲み物を提供しております)
会場｜AL 　東京都渋谷区恵比寿南3-7-17, 1F
Tel: 03-5722-9799
企画：住吉智恵（TRAUMARIS）

会期中イベント：
2月7日（土）16:00～19:00 オープニング　17:00〜トーク　※予約不要
参加費：1,000円(消費税込）（１ドリンク付）

2月14日（土）19:30〜19:50　ダンス＆サウンドパフォーマンス　※要予約
音：イブ・オーク　演出・振付：菅沼伊万里　出演：Neuff
入場料：3,000円(消費税込）（展示観覧料・１ドリンク付）
予約：yoyaku@al-tokyo.jp 
《お申込み方法》
件名に 「2/14イベント参加希望」を記載し、お名前、連絡先（電話番号）を明記の上、
yoyaku@al-tokyo.jp までメールにてお申し込みください。
追って確認と詳細のメールを返信致します。（返信は平日のみ）

Exhibition Period: February 5 (Thu) – February 15 (Sun), 2026 / Open daily 11:00–19:00 (closes at 18:00 on final day)
Admission: 500 yen (tax included, warm beverages provided)
Venue: AL, 1F, 3-7-17 Ebisu Minami, Shibuya-ku, Tokyo / Tel: 03-5722-9799
Curation: : Chie Sumiyoshi (TRAUMARIS)

Events:
Feb 7 (Sat): Opening 16:00-19:00 / Talk 17:00–
Admission fee for the talk event: 1,000 yen (tax included, includes exhibition entry + 1 drink)

Feb 14 (Sat) 19:30〜19:50 : Dance & Sound Performance　（Booking required )
Sound: Ebe Oke / Direction, Choreography: Imari Suganuma / Performance: Neuff
Admission: 3,000 yen (tax included, includes exhibition entry + 1 drink)
<<How to Apply>>
Email yoyaku@al-tokyo.jp with the subject “2/14 Event Registration.”
Include your name and phone number in the message.
We will send a confirmation and details on weekdays.

イブ・オーク　Ebe Oke


張霆《Migration》 2025 / 油絵具、色鉛筆、キャンバス
ZHANG TING Migration, 2025, oil and color pencil on canvas

磯谷博史《同語反復と熱》2021 / LED、チェーン、蜜蝋、蛾の鱗粉
Hirofumi Isoya, Palilalia and Heat, 2021 LED light, chains, refined beeswax, moth scales

English below

恵比寿映像祭2026は総合テーマとして、メインキュレーターの邱于瑄氏の考案による台湾語の言葉―「日花聲音」＊を提示している。（＊異なる声音が多声的に折り重なる空間にやわらかく木漏れ日が差し込む様子）　そのたおやかな漢字の綴りも詩的な情景も、いま苛烈な現代社会を生きる私たちが希求する理想郷を思い描かせてくれる。
しかし現実には、多様な角度の視点や思考が無秩序に混濁し、そこから突出したラウドで勇ましい主張や扇動が世論を支配している。社会的少数者や弱者はその声なき声を掻き消されないよう多様性の重要さを訴え続けるが、異なる階層の声は分断され、互いの声は聴こえてこない。

一方、自然界のあらゆる生き物は、ただその生をまっとうするために、ヒトの耳に聴こえる/聴こえないに関わらず独自の音声を発している。音声だけでなく化学物質や電波など特有のネットワークで交信する生き物もいると聞く。世界はそれらが響きあう密やかで豊かな不協和音に満ちているが、少なくともこれまでは驚くべき均衡で調和を保ち続けてきた。だが万物に強大な影響をもたらした人類が跋扈する人新世、自然界の調和は崩壊の臨界点に近づいている。これまでかろうじてヒトと共存してきた動物や微生物がいま遠慮なく結界を超えてくる現象や災害は、釣り合いの取れなくなった生態系に動揺した生き物たちがパニックに陥っていることの現れだろう。

本展では、ヒトを含めた生きとし生けるものを取り巻く多声的共生世界のありように着目し、鳥や昆虫、そして微生物や細胞自体が発する言葉なき声や見えない気配を掬い上げる３名のアーティストを紹介する。

イブ・オークはアメリカ合衆国サウスジョージア島出身の作曲家・マルチメディアアーティストで、現在はロンドンを拠点とする。カールハインツ・シュトックハウゼンに作曲を師事し、イギリスに移住後はダンス、映画、インスタレーションのための音楽など、学際的な活動を展開している。
コラボレーションはオークの作品の核となる要素だ。アーティスト集団ジェネラル・アイデアの創設者AAブロンソンからの委嘱作『FIELD』では、峰川貴子の彫刻的なボーカルが特徴的な三部構成のサウンドスケープを制作した。
2016年にはローリー・アンダーソン、ブライアン・イーノとコペンハーゲンのスタジオで1週間を過ごし、コラボレーション・ライブ・アルバム『DOKUMENT #2』を発表している。2022年のアルバム『SPECIES』では、アイデンティティ、テクノロジー、そして自然界との関係性を探求する実験的な楽曲を発表。
また2024年には初来日を果たし、宇川直宏率いる配信スタジオDOMMUNE（東京・渋谷）にてライブパフォーマンスとトークを展開した。
アメリカ南部の鳥類保護区で育った幼少期の影響を深く受けたオークの作品は、しばしば人間以外の視点を取り入れる。鳥の鳴き声や生態学的パターンといった自然のシステムや行動は、時にオークの幅広い構造的・概念的アプローチの出発点となる。『Aviary』は、テート・セント・アイヴスの委託を受け、2021年に初演された仮想データ駆動型の環境作品だ。ビジュアルアーティストのサミー・リーとのコラボレーションにより制作されたこの作品は、オークとロバート・トーマスが作曲した生成音楽を特徴とする。世界中の鳥の鳴き声をリサンプリングし、機械学習と生成アルゴリズムを組み合わせることで、『Aviary』は無限に変化し、決して繰り返されることのないサウンドスケープを生み出す。デジタルの鳥たちは地震や洪水などの環境変化にリアルタイムで反応し、惑星規模のデータを群れの振る舞いの変化として可視／可聴化する。
本展のためにオークは、恵比寿映像祭の総合テーマ「日花聲音」（Polyphonic Voices Bathed in Sunlight）に呼応した委嘱作品『レオン』を制作する。本作品は、鳥、空気、そして光を、空間を循環し屈折する知覚的かつ空間的な力として捉えている。会期中の2月14日（土）にはこの作品を基に、振付家・演出家の菅沼伊万里とのコラボレーションによるライブパフォーマンスが行われる。

張霆（ZHANG TING）は中国・山西省出身、2023年に京都芸術大学修士を修了したばかりの若いペインターである。彼女にとって制作とは「精神の解剖」であり、身心を理解するための方法であるという。幼少期からの自身の体調不良にまつわる体験や、近年故郷の祖母が認知症を患うようになったことをきっかけに、身体と精神の関係をめぐる、微生物、遺伝物質、脳腸軸、感情や記憶の相互作用に関心を寄せる。なかでも抗生物質の濫用、ヒトマイクロバイオームと健康、腸内微生物群の精神疾患への影響といった医学的問題を芸術的視点から研究し、ヒトの目には見えにくい微生物と人間の関係と相互への影響を視覚表現することに挑んでいる。
黴で変色した古い人体解剖学図鑑を参照し、医学的な図像や解剖学的なアプローチを用いて、筋肉や神経、内部構造のイメージを多層的に構成したその絵画は、微生物の変容の豊かさや顕微鏡で観察したヒトの表皮の色や質感をも表現している。経年変化と見紛うような独特のテクスチュアと色彩は、彼女の作品世界に抑制の効いた洗練をもたらしている。本展では、微生物・遺伝子・神経分布などを手がかりに新作の大型絵画を制作。身体と精神、医学と生活、腸と脳などの密接な関係において、目に見えない微生物や細胞が発信する「声なき声」が重要な役割を担うことをあらためて認識させる展示となる。

磯谷博史は東京藝術大学建築科を卒業後、同大学院先端芸術表現科とロンドン大学ゴールドスミスカレッジで美術を学んだ。これまで多様な彫刻や写真などを通して、現実の認識や物質と時間の関係性を探求してきた。知的なパズルを想起させるコンセプチュアルなアプローチでありながら、物体としての強度を磨き上げた磯谷の作品は、観るもの自身の居住まいや世界認識を意識させるような緊張感を有している。
本展では、昆虫の生態と人間との関わりをテーマとする２つのシリーズを展示する。アンバー（琥珀）を彷彿とさせる彫刻『12時間』（2005年）は、作家のスタジオに迷い込み落下した虫たちを、庭先にあった手近な小石を型取りレジンで注型した立体物に閉じ込めた作品。直截なタイトルも実際にかかった制作時間から取られている。琥珀は、古代の植物の樹液が悠久の歳月をかけて化石化した物質であり、時に偶然に昆虫を閉じ込めることがある。その稀少かつ神秘的な成り立ちが現代のオブジェクトの視覚的な美と結びついた時、名もなき虫の失われた声もまた封じ込められ、物質と生命の時間は脳内で錯綜する。
あたりを仄かに赤く染める『同語反復と熱』(2021年)は、ひと昔前まで生活の中にあった誘蛾灯を思わせる作品だ。建築用LED照明を光源とする本作品は、本来は一定の角度で入ってくる天体の光を頼りに進路を取る蛾がその習性ゆえに混乱をきたし、自らをライトに打ちつけ続ける行動を、蛾の鱗粉を混入した蜜蝋が施されたチェーンにより表現している。この現象は、4億年もの時間をかけて進化した昆虫生態の秩序や習性が、150 年に満たない人間の文明がつくり出した人工光によって狂わされた結果だという。キュレーターの豊田佳子は本作について、「我々は、経済成長が唯一の正解だと信じて突き進んできたために、放射能やウイルスのような目に見えない脅威と共存していかなければならなくなった。人類が誕生するはるか前から存在していた昆虫は、どのように危機を乗り越え生き延びてきたのか」（2021年RealTokyo掲載）と、視線の遠近を進化という次元に広げて問いかけている。かつて光に向かって虚しい運動を反復しながら力尽きた虫たちは、蒼ざめた蛍光灯の熱で体が焼ける音を発していた。その微かだが神経に障るノイズは、人間と人間以外の自然の関係に顕れる「小さな不協和」と「壮大なすれ違い」という言葉にならない寓話を残していたのかもしれない。

作家プロフィール

イブ・オーク《SPECIES》2019 / パフォーマンス風景（コートヤードシアター、ロンドン）
Ebe Oke, SPECIES, 2019 / Performance art installation, Courtyard Theatre

イブ・オーク　　Ebe Oke
http://www.ebeoke.be
https://www.instagram.com/ebeoke?igsh=eXN1aWlrMGMzZnc2
https://www.dommune.com/streamings/2024/092602/

イブ・オークは、アメリカ合衆国サウスジョージア島出身の作曲家兼マルチメディアアーティストで、現在はロンドンを拠点とする。カールハインツ・シュトックハウゼンに師事し作曲を学び、イギリスに移住後はダンス、映画、インスタレーションのための音楽など、学際的な活動を展開している。
コラボレーションはオークの作品の中心的要素である。アーティストコレクティブGeneral Ideaの創設者A.A.ブロンソンからの委嘱プロジェクト『FIELD』では、峯川貴子の彫刻的なボーカルパフォーマンスをフィーチャーした3部構成のサウンドスケープを制作した。2016年には、ローリー・アンダーソン、ブライアン・イーノと共にコペンハーゲンのスタジオで1週間を過ごし、コラボレーション・ライブ・アルバム『DOKUMENT #2』をレコーディング。このアルバムは2020年に限定版アナログレコードとしてリリースされた。2022年のアルバム『SPECIES』では、このアプローチをさらに発展させ、実験的な楽曲を通して、アイデンティティ、テクノロジー、そして人間と自然界の関係性を探求した。同年11月には、ロンドンのユニオン・ギャラリーにて関連する絵画作品の展覧会とあわせ、『SPECIES』LP1およびLP2をリリース。
《I Feed My Skin Upon the Landscape, Awake!》と題された同展では、アルバムのアートワークのためにマシュー・ストーンが制作した肖像作品とともに、ストーンとのコラボレーションが紹介された。
アメリカ南部の鳥類保護区で育った幼少期の影響を深く受けたオークの作品は、しばしば人間以外の視点を取り入れる。鳥の鳴き声や生態学的パターンといった自然のシステムや行動は、時にオークの幅広い構造的・概念的アプローチの出発点となる。『Aviary』は、テート・セント・アイヴスの委託を受け、2021年に初演された仮想データ駆動型の環境作品だ。ビジュアルアーティストのサミー・リーとのコラボレーションにより制作されたこの作品は、オークとロバート・トーマスが作曲した生成音楽を特徴とする。世界中の鳥の鳴き声をリサンプリングし、機械学習と生成アルゴリズムを組み合わせることで、『Aviary』は無限に変化し、決して繰り返されることのないサウンドスケープを生み出す。デジタルの鳥たちは地震や洪水などの環境変化にリアルタイムで反応し、惑星規模のデータを群れの振る舞いの変化として可視／可聴化する。この作品は2022年に韓国ソウルにある国民大学明園美術館で展示された。
オークは、生成音楽をサイケデリック・サイコセラピー（幻覚剤を用いた心理療法）に統合するテクノロジースタートアップ企業Wavepathsともコラボレーションしている。近年ではフロリダ州ネイプルズ・フィルハーモニー管弦楽団の委嘱を受け、リモン・ダンス・カンパニーのコンテンポラリーダンス作品に合わせてオーケストラとエレクトロニクスのための新作を作曲した。この作品は2026年3月にフロリダ州ネイプルズで初演が予定されている。
またオークは2024年に初来日を果たし、東京・渋谷のDOMMUNEにて、宇川直宏、尾角典子らとのトークセッションとライブパフォーマンスを展開している。

張霆《脳腸軸》 2023 / 油絵具、色鉛筆、キャンバス
ZHANG TING Brain–Gut Axis, 2023, oil and color pencil on canvas

張霆 ZHANG TING（チョウテイ）
Instagram: ＠cyou.tei
https://www.instagram.com/cyou.tei?igsh=b3dyamM5emNwcnFk

1995年 中国・山西省出身
2023年3月 京都芸術大学修士 イラストレーション専攻卒業

私の制作は、身体と精神の関係を中心に、微生物、遺伝物質、脳腸軸、感情や記憶の相互作用に関心を寄せています。初期は微生物や疾病を手がかりに、現代医学における身体環境の変化を観察し、やがて抑うつ、精神障害、記憶の退行などへとテーマを広げてきました。私にとって制作は「精神の解剖」であり、身心を理解するための方法でもあります。医学的な図像や解剖学的な手法を用い、筋肉や神経、内部構造を再構成することで、微生物の世界と個人の経験のあいだに潜む、目には見えにくい関係性を可視化しようと試みています。

受賞・掲載：
2023年　東京CAF賞 最終審査入選
2023年　『美術の窓』5月号「新人大図鑑」掲載
2022年　東京装画賞 学生部門 金賞
展覧会：
2025年8月　東京 Psycho-Anatomy 「精神の解剖 ― 内なる巡礼へ」 個展
2025年3月　東京 LURF GALLERY　WAVE展 出品
2025年10月　東京 光婉 「魔女の誘惑」 出品
2024年5月　東京 Empathy gallery 「人間観察」 出品
2024年4月　東京 biscuit gallery 「grid3」 出品
2024年2月　東京 WAVE2024 展 出品
2023年12月　東京 代官山ヒルサイドフォーラム
「CAF賞2023 入選展」 出品
2023年5月　東京 AKIO NAGASAWA gallery 青山 出品
2023年2月　京都 京都芸術大学大学院 修了展 出品
2022年11月　東京 3331gallery　WAVE2023 展 出品
2022年12月　東京 ギャラリー路草　東京装画賞展 出品

磯谷博史《12時間》2005 / レジン、蝿
Hirofumi Isoya, 12 hours, 2005, resin, fly 

磯谷博史　　Hirofumi Isoya
https://www.whoisisoya.com
https://www.instagram.com/hirofumi_isoya?igsh=MWU5OXUxNDR3d2RkbA==

1978年東京都生まれ。東京藝術大学建築科を卒業後、同大学大学院先端芸術表現科およびロンドン大学ゴールドスミスカレッジで美術を学ぶ。写真や彫刻の制作を通して、現実の認識や、物質と時間の関係性を探求している。空間、作品、観者の関係を振付と捉え、認識を揺さぶり、想像力に現実の思索を委ねる展示体験を編む。
近年の主な展覧会に『PRADA Mode Tokyo』（東京都庭園美術館、東京/2023）、『動詞を見つける』（小海町高原美術館、長野/2022）、『Constellations: Photographs in Dialogue』（サンフランシスコ近代美術館、サンフランシスコ/2021）、『L’image et son double』（ポンピドゥー・センター、パリ/2021）、「『さあ、もう行きなさい』鳥は言う『真実も度を越すと人間には耐えられないから』」（SCAI PIRAMIDE、東京/2021）、『シンコペーション：世紀の巨匠たちと現代アート』（ポーラ美術館、神奈川/2019）、『六本木クロッシング2019 : つないでみる』（森美術館、東京/2019）、『アルル国際写真フェスティバル -Le spectre du surréalisme』（Les Forges、アルル/2017）など。主な作品の収蔵先に、ポンピドゥー・センター（パリ）、サンフランシスコ近代美術館（サンフランシスコ）などがある。

主な個展：
2025 「パンゲアの破片」板室温泉大黒屋、栃木
2023 「今日と、持続」ARTRO、京都
2022 「動詞を見つける」小海町高原美術館、長野
2021 「『さあ、もう行きなさい』鳥は言う『真実も度を超すと人間には耐えられないから』」SCAI PIRAMIDE、東京
2018 「流れを原型として」青山目黒、東京

主なグループ展：
2023 「PRADA Mode Tokyo」東京都庭園美術館、東京
2021 「Constellations: Photographs in Dialogue」サンフランシスコ近代美術館、サンフランシスコ
2021 「L’ Image et son double」ポンピドゥ・センター、パリ
2020 「インタラクション:響きあうこころ」富山市ガラス美術館、富山
2019 「シンコペーション:世紀の巨匠たちと現代アート」ポーラ美術館、神奈川
2019 「六本木クロッシング 2019: つないでみる」森美術館、東京
2017 「アルル国際写真フェスティバル : The Specter of Surrealism」Les Forges、アルル、フランス

主なパブリックコレクション：
2019 サンフランシスコ近代美術館、サンフランシスコ
2015 ポンピドゥ・センター、パリ

その他：
2016-2017 プロジェクトスペースstatements 共同ディレクター

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The Ebisu Film Festival 2026 presents the Taiwanese phrase “Sunlight Through Leaves”*—conceived by chief curator Yu-Hsuan Chiu—as its overarching theme. (*The image of soft sunlight filtering through leaves in a space where diverse voices overlap polyphonically) Both the graceful Chinese characters and the poetic imagery evoke an ideal realm we yearn for amidst our harsh modern society.

Yet in reality, diverse perspectives and thoughts become chaotically muddled, with loud, bold assertions and incitement dominating public discourse. Social minorities and the vulnerable persistently advocate for diversity to prevent their voiceless voices from being silenced, but voices across different strata remain divided, unable to hear one another.

Meanwhile, every living creature in nature emits its own unique sounds—whether audible to human ears or not—simply to fulfill its existence. I hear some beings communicate not only through sound but also via chemical substances, radio waves, and other unique networks. The world is filled with the quiet, rich dissonance of these resonating voices, yet it has maintained an astonishing equilibrium and harmony—at least until now. But in the Anthropocene, where humanity—which has profoundly impacted all things—runs rampant, nature's harmony is nearing a critical point of collapse. The phenomena and disasters we now witness, where animals and microorganisms that barely coexisted with humans before now boldly cross boundaries, likely reflect creatures thrown into panic by an unbalanced ecosystem.

This exhibition focuses on the polyphonic symbiotic world surrounding all living things, including humans, introducing three artists who capture the wordless voices and invisible presences emitted by birds, insects, microorganisms, and cells themselves.

Ebe Oke is a composer and multimedia artist from South Georgia, USA, now based in London. They studied composition under Karlheinz Stockhausen and, after relocating to the UK, developed an interdisciplinary practice spanning music for dance, film, and installation.
Collaboration has been central to Oke’s work. In FIELD, a commissioned work by AA Bronson, founder of the artist collective General Idea, They created a three-part soundscape featuring the sculptural vocals of Takako Minegawa. In 2016, They spent a week in a Copenhagen studio with Laurie Anderson and Brian Eno, releasing the collaborative live album DOKUMENT #2. Their 2022 album SPECIES features experimental compositions exploring identity, technology, and our relationship with the natural world. In 2024, They visited Japan for the first time and performed live at DOMMUNE (Shibuya, Tokyo), a streaming studio led by Naohiro Ukawa.
Deeply influenced by their childhood growing up on a bird sanctuary in the American South, Oke’s practice frequently engages with non-human perspectives. Natural systems and behaviors, including bird calls and ecological patterning, sometimes serve as points of departure within a wider range of structural and conceptual approaches.
Aviary is a virtual, data-driven environment originally commissioned by Tate St Ives and premiered in 2021. Developed in collaboration with visual artist Sammy Lee, the work features generative music composed by Ebe Oke and Robert Thomas. Using resampled bird sounds from across the world alongside machine learning and generative algorithms, Aviary produces an infinite, non-repeating soundscape. Digital birds respond in real time to environmental events such as earthquakes and flooding, translating planetary data into shifting flocking behaviors. The work was later shown in 2022 at Kookmin University’s Myung Won Museum in Seoul, South Korea.
For the present exhibition, Oke has created Raeon, a new commissioned sound work that responds to the Festival’s theme “Polyphonic Voices Bathed in Sunlight”. The piece considers birds, air, and light as perceptual and spatial forces, presences that circulate and refract across the space. During the exhibition period, on Saturday 14 February, this work will form the basis for a live performance in collaboration with choreographer and director Imari Suganuma.

Zhang Ting is a young painter from Shanxi Province, China, who recently completed her master's degree at Kyoto University of the Arts in 2023. For her, creation is “an anatomy of the spirit,” a method for understanding the body and mind. Inspired by her own childhood health struggles and her grandmother's recent diagnosis with dementia in her hometown, she explores the relationship between body and mind, focusing on microorganisms, genetic material, the gut-brain axis, and the interplay of emotions and memory. She researches medical issues such as antibiotic overuse, the human microbiome and health, and the impact of gut microbiota on mental illness from an artistic perspective. She challenges herself to visually express the relationship and mutual influence between microorganisms, invisible to the human eye, and humans.
Referencing old, mold-stained human anatomy textbooks, her paintings employ medical imagery and anatomical approaches to construct multilayered representations of muscles, nerves, and internal structures. These works also express the rich transformations of microorganisms and the colors and textures of human epidermis observed under a microscope. The unique textures and colors, which could be mistaken for the effects of aging, bring a restrained sophistication to her artistic world. For this exhibition, she created new large-scale paintings using microorganisms, genes, and nerve distributions as clues. The exhibition serves as a reminder that the “voiceless voices” emitted by invisible microorganisms and cells play a crucial role in the intimate relationships between body and mind, medicine and daily life, and the gut and brain.

Hirofumi Isoya graduated from the Department of Architecture at Tokyo University of the Arts, then studied art at the university's Graduate School of Intermedia Art and at Goldsmiths College, University of London. Through diverse sculptures and photographs, he has explored perceptions of reality and the relationship between matter and time. While employing a conceptual approach reminiscent of intellectual puzzles, Isoya's works possess a refined physical intensity, creating a tension that makes viewers conscious of their own inner selves and worldviews.
This exhibition presents two series themed around insect ecology and human interaction. The sculpture ‘12 Hours’ (2005), reminiscent of amber, captures insects that strayed into the artist's studio and fell, encasing them within three-dimensional forms cast in resin using readily available pebbles from the garden as molds. The straightforward title derives from the actual time spent creating it. Amber is a substance fossilized over eons from ancient plant sap, sometimes encapsulating insects by chance. When its rare and mystical formation merges with the contemporary object's visual beauty, the lost voices of nameless insects are also sealed within, causing the time of matter and life to intertwine in the mind.
Palilalia and Heat (2021), which softly reddens the surroundings, is a work reminiscent of the moth lamps once common in everyday life. Using architectural LED lighting as its source, this work expresses the behavior of moths—which that normally navigate by relying on celestial light entering at a fixed angle—becoming confused due to their instincts and repeatedly crashing themselves against the light. This is conveyed through a chain coated with beeswax mixed with moth scales. This phenomenon represents the disruption of insect ecological order and instincts, evolved over 400 million years, by artificial light created by human civilization in less than 150 years. Curator Keiko Toyoda reflects on this work: “Because we charged forward believing economic growth was the only correct answer, we now must coexist with invisible threats like radiation and viruses. How have insects, existing long before humanity, overcome crises and survived?” (Published in RealTokyo, 2021), broadening the perspective to the dimension of evolution. Those insects, once exhausted from repeating futile movements toward the light, emitted the sound of their bodies burning in the pallid heat of fluorescent lamps. That faint yet nerve-grating noise may have left behind an unspoken fable—a “small dissonance” and a “grand misalignment”—revealing the relationship between humans and the rest of nature.

Artist Profile

Ebe  Oke, SPECIES, 2019 / Performance art installation, Courtyard Theatre

Ebe Oke
http://www.ebeoke.be
https://www.instagram.com/ebeoke?igsh=eXN1aWlrMGMzZnc2
https://www.dommune.com/streamings/2024/092602/

Ebe Oke is a composer and multimedia artist from South Georgia, USA, now based in London. They studied composition under Karlheinz Stockhausen and, after relocating to the UK, developed an interdisciplinary practice spanning music for dance, film, and installation.
Collaboration has been central to Oke’s work. In FIELD, a commissioned project by AA Bronson, founder of the artist collective General Idea, Oke composed a three-part soundscape featuring sculpted vocal performances by Takako Minekawa. In 2016, Oke spent a week in a Copenhagen studio with Laurie Anderson and Brian Eno, recording the collaborative live album DOKUMENT #2, released as a limited-edition vinyl in 2020. Their 2022 album SPECIES further expanded this approach through experimental compositions exploring identity, technology, and the human relationship to the natural world. Oke released SPECIES LP1 & LP2 in November 2022 alongside an exhibition of related paintings at Union Gallery in London. The show titled I Feed My Skin Upon the Landscape, Awake! features collaborations with Matthew Stone alongside the portraits Stone created for the album artwork.
Deeply influenced by their childhood growing up on a bird sanctuary in the American South, Oke’s practice frequently engages with non-human perspectives. Natural systems and behaviors, including bird calls and ecological patterning, sometimes serve as points of departure within a wider range of structural and conceptual approaches.
Aviary is a virtual, data-driven environment originally commissioned by Tate St Ives and premiered in 2021. Developed in collaboration with visual artist Sammy Lee, the work features generative music composed by Ebe Oke and Robert Thomas. Using resampled bird sounds from across the world alongside machine learning and generative algorithms, Aviary produces an infinite, non-repeating soundscape. Digital birds respond in real time to environmental events such as earthquakes and flooding, translating planetary data into shifting flocking behaviors. The work was later shown in 2022 at Kookmin University’s Myung Won Museum in Seoul, South Korea.
Oke also collaborates with the technology startup Wavepaths, which integrates generative music into psychedelic psychotherapy. More recently, they composed a new work for orchestra and electronics commissioned by the Naples Philharmonic in Florida, created to accompany a contemporary dance piece by the Limón Dance Company. The work will premiere in March 2026 in Naples, Florida.
In 2024,Oke made their first visit to Japan in 2024, presenting live performance and a talk session with Naohiro Ukawa, Noriko Okado, and other collaborators at DOMMUNE in Shibuya, Tokyo,

ZHANG TING Brain–Gut Axis, 2023, oil and color pencil on canvas

ZHANG TING
Instagram: ＠cyou.tei
https://www.instagram.com/cyou.tei?igsh=b3dyamM5emNwcnFk

Born
1995, Shanxi, China

Education:
2023 M.A. in Illustration, Kyoto University of the Arts, Kyoto, Japan

My practice centers on the relationship between the body and the mind, with a focus on the interplay among microbes, genetic material, the gut–brain axis, emotions, and memory. I first approached these themes through the lens of microbes and disease, examining shifts in the body’s ecology within contemporary medicine, and gradually expanded this inquiry to include depression, mental disorders, and the regression of memory.
For me, artmaking functions as a form of “mental anatomy”—a way to investigate how the body and mind are intertwined. By drawing on methods from medical illustration and anatomical study, I reconstruct muscles, nerves, and internal structures to visualize the often invisible connections between the microbial world and human experience.

Awards & Publications:
2023　Finalist, CAF Award Tokyo
2023　Featured in Bijutsu no Mado Magazine, May Issue “Newcomers Dictionary”
2022　Tokyo Book Jacket Illustration Award – Student Division, Gold Prize

Exhibitions:
2025 Aug　Tokyo, Psycho-Anatomy
“Anatomy of the Mind — An Inner Pilgrimage” Solo Exhibition
2025 Mar　Tokyo, LURF GALLERY, WAVE Exhibition.
2025 Oct　Tokyo, KOUEN Gallery, “Witch’s Temptation”.
2024 May　Tokyo, Empathy Gallery, “Human Observation”.
2024 Apr　Tokyo, biscuit gallery, “grid3”.
2024 Feb　Tokyo, WAVE2024 Exhibition.
2023 Dec　Tokyo, Daikanyama Hillside Forum
CAF Award 2023 Finalists Exhibition.
2023 May　Tokyo, AKIO NAGASAWA Gallery Aoyama.
2023 Feb　Kyoto, Kyoto University of the Arts, MFA Graduation Exhibition.
2022 Nov Tokyo, 3331gallery, WAVE2023 Exhibition.
2022 Dec　Tokyo, Gallery Michikusa, Tokyo Book Jacket Illustration Award Exhibition

Hirofumi Isoya, 12 hours, 2005, resin, fly 

Hirofumi Isoya
https://www.whoisisoya.com
https://www.instagram.com/hirofumi_isoya?igsh=MWU5OXUxNDR3d2RkbA==

Born in Tokyo, Japan in 1978, he majored in architecture at Tokyo University of the Arts before pursuing further studies in fine art at the university’s Graduate School of Intermedia Art and at Goldsmiths, University of London. Through the media of photography and sculpture, his work explores the structures of perceiving reality and the relationships between matter and time. Considering the spatial relationship among artwork, viewer, and environment as a form of choreography, he creates exhibition experiences that unsettle recognition and entrust reflections on reality to the viewer’s imagination.
Recent notable exhibitions include Prada Mode Tokyo (Tokyo Metropolitan Teien Art Museum, Tokyo, 2023); Find Your Verb (Koumi-machi Kougen Museum of Art, Nagano, 2022); Constellations: Photographs in Dialogue (SFMOMA, San Francisco, 2021); L’image et son double (Centre Pompidou, Paris, 2021); “Go, go, go, said the bird: humankind cannot bear very much reality” (SCAI PIRAMIDE, Tokyo, 2021); Syncopation: Contemporary Encounters with the Modern Masters (Pola Museum of Art, Kanagawa, 2019); Roppongi Crossing 2019: Connexions (Mori Art Museum, Tokyo, 2019); and Les Rencontres d'Arles – Le spectre du surréalisme (Les Forges, Arles, 2017). His works are held in the permanent collections of the Centre Pompidou (Paris) and the San Francisco Museum of Modern Art (San Francisco), among others.

SOLO EXHIBITIONS (SELECTION)
2025 Shards of Pangaea, Itamuro Onsen Daikokuya, Tochigi, Japan
2023 Duration, and Today, ARTRO, Kyoto, Japan
2022 Find Your Verb, Koumi-machi Kougen Museum of Art, Nagano, Japan
2021 Go, go, go, said the bird: humankind cannot bear very much reality, SCAI PIRAMIDE, Tokyo, Japan
2018 Figured in the drift of things, Aoyama|Meguro, Tokyo, Japan

GROUP EXHIBITIONS (SELECTION)
2023 Prada Mode Tokyo, Tokyo Metropolitan Teien Art Museum, Tokyo, Japan
2021 Constellations: Photographs in Dialogue, SFMOMA, San Francisco, USA
2021 L’Image et son double, Centre Pompidou, Paris, France
2020 Interaction, Toyama Glass Art Museum, Toyama, Japan
2019 Syncopation: Contemporary Encounters with the Modern Masters, Pola Museum of Art, Kanagawa, Japan
2019 Roppongi Crossing 2019: Connexions, Mori Art Museum, Tokyo, Japan
2017 Les Rencontres d'Arles: The Specter of Surrealism, Les Forges, Arles, France

PUBLIC COLLECTIONS
San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, USA (2019)
Centre Pompidou, Paris, France (2015)
OTHERS
Co-director, project space statements (2016–2017)